Каждая эпоха находила в растении что-то своё. Средневековые травники ценили его за целебную силу и переписывали изображения из рукописи в рукопись, пока в XVI веке печатные травники не обратились к живым растениям, нарисованным с натуры вплоть до надломленного стебля и изъеденного листа. В XVIII веке Карл Линней положил в основу классификации тычинки и пестики, и внимание иллюстраторов сместилось с растения целиком на цветок и его плод, которые теперь изображали вместе с рассечёнными и отдельно прорисованными частями. На рубеже XX века растительные формы перешли в орнамент и архитектуру модерна, а затем художники впервые принесли в выставочные залы живые растения, чтобы показать их рост и изменение во времени. Био-арт сделал растение соучастником произведения, и его геном, электрический сигнал или запах стали материалом искусства.
За шесть столетий сильнее всего изменился взгляд человека, который постепенно признал в растении существо со своей темпоральнстью, чувствительностью и способом отвечать миру.
Лекция проходит в рамках параллельной программы к выставке «Флора Сибири: художественное исследование».
«Сциапоника» началась как дневник художника Ильи Долгова, который перенёс дикие травы с острова Котлин в свою мастерскую и несколько лет наблюдал, что с ними происходит под лампами и в горшках.
Записи сначала жили в телеграм-канале автора, в 2023 году рукопись получила премию Андрея Белого, а в 2024-м книгу выпустило петербургское издательство «Все свободны». Слово в заглавии придумано самим художником по аналогии с гидропоникой, когда вместо выращивания растений он предлагает заниматься тенями (теневодство и тенеделие), то есть теми слабыми, временными связями, которые возникают между человеком и растением, когда ни тот, ни другой не претендуют на понимание. Книга собрана из двух частей, лирической и прикладной, и читатель переходит от размышлений о времени, утрате и внимательности к вполне конкретным объяснениям, какая почва нужна лопуху и как собрать подсветку из деталей с маркетплейса.
Илья Долгов принципиально не обещает ни урожая, ни спасения планеты; его интересует ситуация, в которой человек и растение одинаково уязвимы и одинаково не знают, чем закончится их совместная жизнь, и в этом отказе от результата книга оказывается точнее многих экологических манифестов.
Лекция проходит в рамках параллельной программы к выставке «Флора Сибири: художественное исследование».
Лекция посвящена крупным собраниям, которые легли в основу отдела личных коллекций ГМИИ им. А.С. Пушкина. Речь пойдет:
- о рисунках мастеров объединения «Мир искусства» (Александра Бенуа, Льва Бакста, Константина Сомова, Мстислава Добужинского) из коллекции литературоведа и искусствоведа, инициатора создания и основателя отдела личных коллекций И.С. Зильберштейна;
- о произведениях передвижников (Ильи Репина, Василия Поленова, Ивана Шишкина, Алексея Саврасова) из собрания С.В. Соловьева;
- о картинах художников первых десятилетий XX века (Николая Рериха, Константина Богаевского, Павла Кузнецова, Николая Сапунова, Сергея Судейкина) из собрания И.В. Корецкой и Б.В. Михайловского;
- о графике мастеров русского авангарда (Наталии Гончаровой, Михаила Ларионова, Ольги Розановой) из коллекции филологов Р.В. Дуганова и Н.С. Дугановой-Шефтелевич;
- о крупнейшем в мире наследии Александра Родченко и Варвары Степановой, хранящемся в отделе личных коллекций и других собраниях.
Слушатели также познакомятся с художественным контекстом того времени, в которое создавались рассматриваемые произведения.
Лекция посвящена работам художников (преимущественно нонконформистов) из собраний коллекционеров и наследников живописцев второй половины XX века.
Будут рассмотрены:
- произведения мастера «белого на белом» Владимира Вейсберга, подаренные музею его наследниками С.В. Щегловой и Г.М. Ерминой;
- работы создателя концепции метагеометрии Эдуарда Штейнберга, переданные музею вдовой художника Г.И. Маневич;
- мастера метафизических натюрмортов Дмитрия Краснопевцева, пожертвованные музею его женой Л.П. Краснопевцевой;
- а также представителей Лианозовской группы Евгения Кропивницкого, Ольги Потаповой, Лидии Мастерковой, Оскара Рабина, Владимира Немухина из собрания поэта В.Н. Некрасова (подарены музею учениками его жены).
Кроме нонконформистов, речь пойдет о произведениях «бумажной архитектуры» 1980-х, включающих работы выпускников Московского архитектурного института Юрия Аввакумова, Александра Бродского, Ильи Уткина и других выдающихся художников-архитекторов современности. Слушатели также познакомятся с художественным контекстом того времени, в которое создавались рассматриваемые произведения.
В 2010-е годы работал в Москве в музейной сфере: был сотрудником выставочных отделов Академии акварели
С. Андрияки и Российской Академии Художеств, а также научным сотрудником Музея Ар Деко. С 2019 года — научный сотрудник отдела личных коллекций
ГМИИ им. А.С. Пушкина.
Сферы научных интересов — история русского
и английского искусства XIX-XX веков. В данный момент пишет кандидатскую диссертацию на тему «Книжная графика А. Рэкхема и Э. Дюлака в контексте искусства первой четверти XX века».
в художники: 10 выводов
на этом пути
Творческая встреча с Елизаветой Клеванцевой — художницей-керамисткой и участницей выставки «Флора Сибири: художественное исследование».
Елизавета Клеванцева — томская художница-керамистка, чей путь в искусство начинался с науки. Будучи в прошлом исследовательницей Арктики, она принимала участие
в научных экспедициях. Этот опыт во многом определил ее художественную оптику:
в проектах Елизавета уделяет большое внимание работе с контекстом, погружаясь в тему через истории и архивные документы.
На встрече Елизавета расскажет о своем творческом пути и трансформации из ученой-исследовательницы в современную художницу, а также поделится опытом участия в арт-резиденциях и впечатлениями от подготовки первой персональной выставки.
художественное исследование»
Выставка «Флора Сибири: художественное исследование» объединяет произведения томской художницы Елизаветы Клеванцевой с ботаническими иллюстрациями и книгами из фондов отдела рукописей и книжных памятников Научной библиотеки ТГУ.
На медиации с художницей Елизаветой Клеванцевой мы обратимся к живому диалогу внутри группы, чтобы обсудить свои впечатления и «заглянуть» внутрь процесса создания художественных произведений. Поговорим об особенностях народного и академического знания, поделимся семейными традициями и воспоминаниями о применении сибирских растений.
В XXI столетии биеннальное движение получило невиданные ранее масштабы.
Рядом со старейшими — Венецианской биеннале, биеннале в Сан-Паулу, биеннале
в Сиднее — появляются все новые и новые точки художественного притяжения.
С одной стороны, биеннале является витриной актуальных проблем и тенденций, с другой стороны — она задает повестку на несколько лет вперед, становится зеркалом, в котором отражается будущее искусства.
Биеннале отражает конфигурацию сил, устремлений и вкусов современной арт-сцены.
На примере самых ярких биеннале последних двух лет — Шанхайской, Бухарской, Сиднейской, Лионской, Венецианской и биеннале в Сан-Паулу — мы обсудим основные векторы развития современного искусства.
Новое столетие стало временем метамодернизма, когда вера в абсолют истины и красоты уже утрачена, а ирония и цинизм исчерпали себя. Как оставаться современным
в условиях мира, сотрясаемого социальными, политическими, экологическими кризисами, в котором существуют тысячи локальных арт-сцен и культурных экосистем?
Развитие искусства, которое раньше строилось как прямая линия от авангарда
к постмодерну, сегодня больше напоминает ризому, запутанную корневую систему,
где каждый узел связан с другим без иерархии и фиксированного центра.
Искусство превращается в поток данных, в опыт, который переживает зритель.
На примере выдающихся мастеров современной мировой арт-сцены,
таких как Дэмиен Хёрст, Вим Дельвуа, Пьер Юиг, Рефик Анадол, Клэр Табуре, Алисия Кваде, Долорес Сальседо, мы попробуем выявить актуальные художественные тенденции.
Окончила исторический факультет Московского государственного университета им. М.В. Ломоносова, специалист по современному искусству.
Куратор многочисленных выставок в ГМИИ и на внешних площадках, автор статей об искусстве ХХ века.
Преподает историю современного искусства в РГГУ и МГУ им М.В. Ломоносова.
Художница занимается коллажем более пяти лет. За это время её работы стали частью нескольких групповых выставок, а личная практика переросла в кураторский проект. Уже четыре года она курирует Женский коллажный клуб, где участницы осваивают технику коллажа и развивают свои художественные возможности.
На леции Анна расскажет как устроен коллажный клуб изнутри: почему пространство, свободное от критики и оценки, становится катализатором творческого роста. Художница покажет работы участниц клуба, расскажет про персональные выставки и проекты, которые стали естественным переходом от коллажных проб к собственной практике.
Встреча будет интересна тем, кто ищет способ начать собственную художественную практику без специальной подготовки, а также тем, кому любопытна внутренняя жизнь низовых творческих инициатив.
После теоретической части участники перейдут к выбору общей темы для создания коллажей: это может быть предложенный художницей вариант или тема, созвучная общему контексту встречи. Затем каждый приступит к самостоятельной работе. Завершится мастер-класс традиционным просмотром: 15−20 минут посвятим обсуждению получившихся работ, обменяемся впечатлениями и увидим, как одна и та же тема раскрывается через разную оптику.
Всё необходимое для создания коллажа предоставляется. При желании можно взять с собой старые журналы, фотографии и личные художественные материалы и инструменты.
Во время лекции вы совершите виртуальную прогулку по залам музея и узнаете об истории импрессионизма, его основных особенностях, о легендарной первой выставке импрессионистов и, конечно, о самих художниках.
Наталья Кортунова коснется в своем рассказе шедевров импрессионистической живописи, находящихся в других музеях.
На лекции попробуем разобраться, кого из мастеров рубежа XIX—XX веков можно по праву назвать импрессионистом в скульптуре.
Лекция Натальи Кортуновой посвящена ключевым аспектам творчества Огюста Родена, Медардо Россо, Паоло Трубецкого и других мастеров, чьи работы помогают найти ответ на вопрос: «А был ли импрессионизм в скульптуре?» Отдельное внимание будет уделено знаменитым художникам, обратившимся к созданию объемных форм, — Эдгару Дега и Пьеру Огюсту Ренуару. Именно "Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица" Дега была воспринята современниками как первая скульптура в истории импрессионизма.
cabinet@pushkinmuseum.art
