В XXI столетии биеннальное движение получило невиданные ранее масштабы. 
Рядом со старейшими — Венецианской биеннале, биеннале в Сан-Паулу, биеннале 
в Сиднее — появляются все новые и новые точки художественного притяжения. 
С одной стороны, биеннале является витриной актуальных проблем и тенденций, с другой стороны — она задает повестку на несколько лет вперед, становится зеркалом, в котором отражается будущее искусства.
Биеннале отражает конфигурацию сил, устремлений и вкусов современной арт-сцены. 
На примере самых ярких биеннале последних двух лет — Шанхайской, Бухарской,  Сиднейской, Лионской, Венецианской и биеннале в Сан-Паулу —  
мы обсудим основные векторы развития современного искусства.

Новое столетие стало временем метамодернизма, когда вера в абсолют истины и красоты уже утрачена, а ирония и цинизм исчерпали себя. Как оставаться современным 
в условиях мира, сотрясаемого социальными, политическими, экологическими кризисами, в котором существуют тысячи локальных арт-сцен и культурных экосистем? 
Развитие искусства, которое раньше строилось как прямая линия от авангарда 
к постмодерну, сегодня больше напоминает ризому, запутанную корневую систему, 
где каждый узел связан с другим без иерархии и фиксированного центра. 
Искусство превращается в поток данных, в опыт, который переживает зритель. 
На примере выдающихся мастеров современной мировой арт-сцены,  
таких как Дэмиен Хёрст, Вим Дельвуа, Пьер Юиг, Рефик Анадол, Клэр Табуре, Алисия Кваде, Долорес Сальседо, мы попробуем выявить актуальные художественные тенденции.

Вместе с красноярской художницей Анной Кокотовой обсудим, как техника коллажа становится для многих не только творческим упражнением, но и полноценным входом в художественную практику.
Художница занимается коллажем более пяти лет. За это время её работы стали частью нескольких групповых выставок, а личная практика переросла в кураторский проект. Уже четыре года она курирует Женский коллажный клуб, где участницы осваивают технику коллажа и развивают свои художественные возможности.
На леции Анна расскажет как устроен коллажный клуб изнутри: почему пространство, свободное от критики и оценки, становится катализатором творческого роста. Художница покажет работы участниц клуба, расскажет про персональные выставки и проекты, которые стали естественным переходом от коллажных проб к собственной практике.
Встреча будет интересна тем, кто ищет способ начать собственную художественную практику без специальной подготовки, а также тем, кому любопытна внутренняя жизнь низовых творческих инициатив.

Анна Кокотова сделает краткий обзор ключевых фигур, определивших развитие техники, и покажет работы дадаистов, которые активно использовали фотомонтаж. Затем обратится к произведениям конструктивистов, где приёмы коллажа и фотомонтажа выступали средствами конструктивистской эстетики и новой визуальной пропаганды. На этих примерах художница разберет и поможет применить на практике базовые коллажные приёмы: работу с масштабом и пропорциями, фрагментацию изображения, внедрение типографики и текста в визуальный ряд.
После теоретической части участники перейдут к выбору общей темы для создания коллажей: это может быть предложенный художницей вариант или тема, созвучная общему контексту встречи. Затем каждый приступит к самостоятельной работе. Завершится мастер-класс традиционным просмотром: 15−20 минут посвятим обсуждению получившихся работ, обменяемся впечатлениями и увидим, как одна и та же тема раскрывается через разную оптику.
Всё необходимое для создания коллажа предоставляется. При желании можно взять с собой старые журналы, фотографии и личные художественные материалы и инструменты.

Фотография сохраняла свою утилитарную функцию запечатления реальности совсем недолго. Возникшая на заре викторианской эпохи технология впитала в себя все ключевые атрибуты своего времени: идею о романтическом герое, фокус на экзотических мотивах и глубокое увлечение спиритизмом. В результате уже в первые десятилетия своего существования практика изменения изображений, полученных с помощью фотоаппарата, стала неотъемлемой частью искусства фотографии. Задолго до цифровой эпохи такие амбициозные фотографы, как Гюстав Ле Грей, Генри Пич Робинсон, Оскар Густав Рейландер и многие другие, разработали множество удивительных методов для модификации студийных и постановочных кадров в сказочные, магические, а зачастую даже мистические изображения.

Фотография, как одна из основных и привычных сегодня форм визуальной коммуникации, лежит на пересечении двух взаимодополняющих направлений человеческой деятельности: искусства и науки. Первые исторические труды, которые начали появляться вскоре после её изобретения в 1839 году, были ориентированы прежде всего на технологические разработки и чётко отражали хронологию открытий в химии, физике и прикладной механике. На лекции мы проследим путь фотографии от сплавов ртути, экспонируемых на солнце и трёхцветных «витражных» стекол до карманных камер и моментальных снимков.

Лекция посвящена первой трети XX века — времени, когда в европейском искусстве формировались самые радикальные направления. Фовизм, экспрессионизм, кубизм, футуризм, дадаизм, сюрреализм — вот основной (хотя далеко не полный) набор стремительно сменявших друг друга «измов». Многие из них имели общие корни и были связаны с одними и теми же художниками. На обзорной лекции Анна Познанская рассмотрит эти направления в контексте драматических событий, сотрясавших Европу в ту эпоху.

Лекция посвящена одному из самых важных направлений в европейском искусстве рубежа XIX-XX столетий — постимпрессионизму. Именно в творчестве постимпрессионистов окончательно сложился не только художественно-пластический язык модернизма, но и новый метод подхода художника к творческому процессу. Не случайно ведущие представители этого направления — Поль Сезанн, Винсент Ван Гог и Поль Гоген — удостоились рекордного числа биографий и кинофильмов и давно мифологизированы. Лектор расскажет, как три талантливых мастера смогли всего за несколько лет переломить 400-летнюю традицию европейского живописного искусства и открыть путь для невероятных художественных экспериментов ХХ века.

Наталья Кортунова расскажет о коллекции художников-импрессионистов в Государственном музее изобразительных искусств имени А.С. Пушкина, среди которых, к примеру, такие знаменитые полотна, как «Белые кувшинки» Клода Моне и «Портрет Жанны Самари» Пьера-Огюста Ренуара.
Во время лекции вы совершите виртуальную прогулку по залам музея и узнаете об истории импрессионизма, его основных особенностях, о легендарной первой выставке импрессионистов и, конечно, о самих художниках.
Наталья Кортунова коснется в своем рассказе шедевров импрессионистической живописи, находящихся в других музеях.

Имена великих живописцев-импрессионистов знакомы каждому. Но легко ли вспомнить их современников — скульпторов?
На лекции попробуем разобраться, кого из мастеров рубежа XIX—XX веков можно по праву назвать импрессионистом в скульптуре.
Лекция Натальи Кортуновой посвящена ключевым аспектам творчества Огюста Родена, Медардо Россо, Паоло Трубецкого и других мастеров, чьи работы помогают найти ответ на вопрос: «А был ли импрессионизм в скульптуре?» Отдельное внимание будет уделено знаменитым художникам, обратившимся к созданию объемных форм, — Эдгару Дега и Пьеру Огюсту Ренуару. Именно "Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица" Дега была воспринята современниками как первая скульптура в истории импрессионизма.